Une Approche Technique et Artistique
Passer de la scène au plateau de tournage est un défi aussi passionnant qu'exigeant pour un acteur. Le théâtre et l'image reposent sur deux langages artistiques distincts, chacun dicté par ses exigences techniques, son rapport au spectateur et sa manière d'explorer l'émotion. Si, sur scène, l'énergie est expansive et tournée vers le public, à l'écran, elle devient introspective, captée par l'œil impitoyable de la caméra. Adapter son jeu pour l'image nécessite une compréhension fine de ces différences et une maîtrise des outils audiovisuels.
Dans cet article, nous abordons avec précision les ajustements nécessaires pour faire évoluer un jeu théâtral vers un jeu cinématographique, tout en respectant l'essence artistique de l'acteur.
Une Grammaire Artistique Différente
a) La Relation au Spectateur
Au théâtre, l'acteur se projette vers une salle entière, jouant pour un public multiple et distant. L'énergie est expansive, le jeu amplifié pour traverser la distance physique.
À l'écran, l'acteur joue pour un spectateur unique : la caméra. Elle capte tout, même l'invisible. Chaque micro-expression devient une déclaration, chaque mouvement ou silence, une intention. La caméra exige un jeu minimaliste, parfois imperceptible à l'œil humain mais saisissant dans l'objectif.
b) La Temporalité de l’Émotion
Sur scène, l’émotion suit une progression linéaire. Une pièce de théâtre se vit dans l’instant, dans un flux continu et organique.
À l'écran, les scènes sont rarement tournées dans l’ordre chronologique. L’acteur doit donc être capable de "reconstruire" chaque émotion, parfois instantanément, en se basant sur une compréhension précise de l’arc narratif et émotionnel du personnage.
c) Le Jeu et l’Échelle de l’Interprétation
Théâtre : L’expression corporelle et vocale est amplifiée pour être visible et audible depuis le dernier rang.
Cinéma : La caméra agit comme une loupe. Un regard, un mouvement presque imperceptible des lèvres ou une tension dans les sourcils sont suffisants pour révéler une émotion. Tout excès devient artificiel et peut briser l’authenticité recherchée.
L'Art de la Subtilité : Réduire pour Amplifier
Sur un plateau de tournage, la subtilité n'est pas un choix, c'est une nécessité. Là où le théâtre autorise une certaine exagération, le cinéma demande un contrôle absolu du corps et des émotions :
a) Maîtriser les Micro-Expressions
La caméra est capable de capter des nuances imperceptibles à l'œil humain. Un léger froncement de sourcil, un regard hésitant ou un sourire à peine esquissé suffisent souvent à transmettre toute une palette d’émotions.
Pour développer cette maîtrise :
Travaillez devant une caméra pour observer comment vos émotions se manifestent.
Analysez vos performances enregistrées pour identifier ce qui fonctionne et ce qui semble surfait.
b) Jouer avec la Réserve
Au cinéma, ce qui n’est pas dit ou montré est parfois plus puissant que ce qui l'est. Laissez à l’audience le luxe d’interpréter vos silences et vos non-dits. Cela exige une compréhension profonde de votre personnage et de ses intentions.
c) Contrôler les Gestes
Un geste ample peut sembler naturel sur scène mais disproportionné à l’écran. À l’inverse, un simple frisson d'une main ou un mouvement subtil d'épaule peut parler des volumes à la caméra.
La Voix : De la Projection Théâtrale à l’Intimité Cinématographique
La voix est un outil fondamental pour l’acteur, mais son usage diffère radicalement entre la scène et l’écran :
a) L'Intensité et le Volume
Sur scène : La voix doit remplir l’espace, être projetée avec puissance et clarté.
À l’écran : Les micros captent chaque souffle, chaque intonation. Une voix naturelle, presque intime, est souvent plus efficace.
b) Les Inflexions et la Spontanéité
Le dialogue à l’écran doit sonner vrai, comme une conversation authentique. Travaillez sur :
Les pauses naturelles.
Les hésitations ou les chevauchements de mots qui reflètent la spontanéité du langage humain.
Les nuances subtiles dans le timbre pour exprimer des émotions complexes.
La Technique : S’approprier l’Outil Cinématographique
L’acteur qui joue pour l’image ne peut ignorer les contraintes techniques imposées par la caméra et le plateau :
a) Comprendre le Cadre
Connaître son placement dans le cadre est essentiel.
Une caméra en gros plan captera chaque détail ; réduisez l’intensité de votre jeu pour rester crédible.
Dans un plan large, vos mouvements peuvent être légèrement amplifiés pour conserver leur lisibilité.
b) Travailler avec les Marques
Sur un plateau, chaque déplacement est millimétré. Respecter les marques au sol (repères pour le positionnement) est impératif pour que le cadrage reste fluide et cohérent.
c) Coordonner avec l’Équipe Technique
L’acteur doit collaborer avec :
Le réalisateur pour comprendre l’intention de la scène.
Le Directeur de la photographie pour exploiter au mieux la lumière et les angles de caméra.
Le preneur de son pour ajuster la projection de sa voix selon les besoins techniques.
La Continuité : Une Discipline Essentielle
Contrairement au théâtre, où le jeu est linéaire et continu, le cinéma fragmente l’action. Les scènes peuvent être tournées dans un ordre aléatoire, parfois avec des jours, voire des semaines, entre deux prises qui se suivent dans le montage final.
Pour maintenir une cohérence émotionnelle :
Conservez des notes sur l’état émotionnel de votre personnage à chaque instant du scénario.
Travaillez étroitement avec le réalisateur pour aligner votre jeu sur sa vision.
Prévoyez des outils personnels (musique, souvenirs, exercices) pour retrouver rapidement une émotion spécifique.
L’Art de la Patience et de l’Adaptabilité
Le cinéma est un art collectif, où le temps est fragmenté et les imprévus fréquents. Un acteur doit savoir :
Attendre sans perdre son énergie : Les temps morts sont nombreux sur un plateau. Apprenez à rester concentré et prêt à jouer à tout moment.
S’adapter aux ajustements : Une scène peut être modifiée à la dernière minute. Soyez flexible dans votre interprétation et réceptif aux indications du réalisateur.
Formation et Pratique : Se Préparer pour l’Image
Comme tout art, jouer pour l’image demande de l’entraînement :
Prenez des cours spécialisés : Un atelier, une formation professionnelle ou un coaching pour le jeu à la caméra vous aideront à maîtriser les subtilités du médium.
Entraînez-vous avec des outils modernes : Filmez-vous régulièrement pour analyser vos performances et ajuster votre jeu.
Étudiez les grands acteurs : Regardez des films ou des séries en observant comment les émotions sont transmises à travers des détails infimes.
Conclusion
Adapter son jeu de théâtre pour l’image n’est pas une simple réduction de l’intensité. C’est un changement de paradigme, une réinvention de son art en fonction des exigences de l'écran. Cela demande une compréhension fine des outils techniques, une maîtrise de soi et une capacité à collaborer avec une équipe.
L’écran, par sa proximité avec le spectateur, offre une intimité unique, une chance de révéler l’invisible. Pour un acteur, c’est une opportunité de repousser les limites de son art. Avec de la pratique et une approche réfléchie, le passage de la scène au plateau de tournage peut devenir une véritable renaissance artistique.
Vous êtes comédien(ne) et vous souhaitez adapter votre jeu pour l'image?
🔴 Restez informé en temps réel des actualités des cours :
⭐ LE JEU DE L’ACTEUR C’EST QUOI?
Le jeu de l'Acteur dispense des cours d'interprétation pour le théâtre et pour l'image à travers une Formation Professionnelle de 2 ans, un cours Pros à la carte et des Cours de Loisirs à l'année.Ces cours permettent d'éprouver les bases fondamentales de l'art d'interpréter.
Suivez nous sur Instagram, Facebook ou TikTok où le travail des élèves est partagé quotidiennement offrant un aperçu précieux de leur apprentissage.
Comments